La noticia sacudió este martes al mundo del cine argentino: Luis Puenzo, guionista, director, productor y figura central de la cultura nacional, murió en Buenos Aires a los 80 años. La confirmación llegó a través del comunicado oficial de Argentores, la entidad que nuclea a autores cinematográficos: "Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años de edad. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento." Las palabras, secas y sinceras, sellan el final de una vida dedicada a contar historias y a pelear por la memoria en la pantalla grande.
El nombre de Luis Puenzo quedó grabado en la historia grande del cine argentino, sobre todo desde 1985. Ese año, su película La historia oficial encendió por primera vez los proyectores y nada volvió a ser igual. No era solo cine: era un espejo. Rodada en un clima de miedo, bajo amenazas, cuando todavía retumbaban los ecos de los represores y no se sabía hasta dónde podía llegar el peligro, la película llegó al público apenas dos años después del regreso de la democracia. 
La historia oficial se convirtió en bandera. No solo por lo que contaba, sino por cómo lo hacía: la tensión flotaba sin necesidad de golpes bajos ni violencia explícita. Bastaban las miradas, los silencios, la fragilidad de Norma Aleandro metida en la piel de Alicia, una profesora de historia que comenzaba a dudar de todo. El final sigue dejando sin aliento: Alicia enfrentando a su esposo, escapando de su casa, mientras Gaby canta sola "En el país de Nomeacuerdo". Un tema infantil convertido en símbolo de la identidad robada. Lo que pocos sabían entonces era que el rodaje había empezado en 1983, con la dictadura todavía en el poder, el equipo reducido y el temor recorriéndolo todo. Algunos actores recibieron amenazas, pero siguieron adelante. Estrenaron dos años después, cuando ya la democracia intentaba sanar heridas abiertas.
El impacto fue inmediato y mundial. Al año siguiente, La historia oficial ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el primero para el cine argentino. Puenzo subió al escenario y dijo, con voz firme: "Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando ahora a dar comienzo a nuestros nuevos sueños". 
La película también ganó el Globo de Oro, el Cóndor de Plata y fue premiada en Cannes. Puenzo y su coautora, Aída Bortnik, recibieron además la nominación al Oscar al Mejor Guion Original.
Además de cineasta, Puenzo fue un activo defensor de la industria audiovisual argentina. En 1994 participó en la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que dio autarquía y financiamiento al INCAA. Fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en 2004 y, entre 2019 y abril de 2022, presidió el INCAA.
Cuarenta y un año después del estreno de La historia oficial, la búsqueda de la verdad que abrió la película sigue viva. El film dejó nombres, cuerpos y heridas en la memoria colectiva. Alicia, Gaby, las miradas y los silencios. Lo que alguna vez fue peligroso nombrar, hoy es parte fundamental de la historia argentina y del legado de Luis Puenzo.

La precuela de Ocean's ya ha dado su paso más importante hasta la fecha. Después de meses de rumores y varios cambios en el desarrollo del proyecto, Warner Bros. ha confirmado que Bradley Cooper será finalmente el encargado de escribir, dirigir y protagonizar la película junto a Margot Robbie, que además la producirá a través de su compañía LuckyChap.
El anuncio supone una sacudida importante para una producción que en los últimos tiempos había atravesado bastantes dudas. El proyecto había estado ligado recientemente a Lee Isaac Chung, pero su salida por diferencias creativas obligó al estudio a buscar una nueva fórmula. Ahora, con Bradley Cooper al frente en casi todos los frentes creativos, la película parece haber encontrado por fin una dirección clara. El estreno ya tiene incluso fecha cerrada: 25 de junio de 2027.
Durante la presentación en Las Vegas, la propia Margot Robbie apareció en vídeo para ofrecer algunos detalles sobre el planteamiento de la historia. La actriz explicó que la película viajará al pasado para contar una gran operación ambientada en el Gran Premio de Mónaco de 1962. Y, sobre todo, dejó caer el gran gancho argumental: antes de que Danny Ocean se convirtiera en el maestro del atraco que conocimos en la saga moderna, fueron sus padres quienes le enseñaron todo lo que sabía. Todo apunta, por tanto, a que Margot Robbie y Bradley Cooper interpretarán a los progenitores del personaje inmortalizado por George Clooney.
La franquicia Ocean's arrancó en su versión moderna en 2001 con 'Ocean's Eleven (Hagan juego)', la revisión dirigida por Steven Soderbergh del clásico de 1960 protagonizado por Frank Sinatra y el Rat Pack. Aquella película dio pie a una trilogía de enorme éxito con nombres como George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts y Matt Damon, antes de cerrar esa etapa con 'Ocean's Thirteen' en 2007. Años después llegó también el 'Ocean's 8', liderado por Sandra Bullock y Cate Blanchett .
La nueva película busca ahora abrir otra puerta dentro de ese universo, pero sin limitarse a repetir la fórmula. El hecho de situarla en los años 60 y de conectarla con la familia de Danny Ocean sugiere una apuesta más marcada por el glamour clásico, el gran atraco de época y la reinvención del mito original. También confirma el deseo de Warner de seguir exprimiendo una de sus marcas más reconocibles, pero con una identidad propia.
Para Bradley Cooper, el proyecto supone además consolidarse todavía más como cineasta. Tras haber firmado títulos como 'Ha nacido una estrella', 'Maestro' y 'Is This Thing On?, la precuela de Ocean's se perfila como su siguiente gran movimiento detrás de la cámara. A diferencia de sus anteriores trabajos, aquí se enfrenta a una franquicia muy conocida, con el reto añadido de respetar su herencia sin quedar atrapado en ella.
En el caso de Margot Robbie , la película confirma de nuevo su intención de combinar grandes papeles con una presencia cada vez más fuerte en la producción. LuckyChap lleva años convirtiéndose en una de las compañías más activas de Hollywood, y esta precuela encaja perfectamente en ese modelo: una gran propiedad intelectual, un fuerte atractivo comercial y un enfoque con personalidad suficiente para diferenciarse.

"No le tengo miedo a la muerte. Sé que a todos nos va a tocar, pero admito que irme me daría mucha lástima". Esta reflexión compartida por Luis Brandoni sintetizó su mirada serena ante el paso del tiempo y la cercanía del final. Figura central del teatro argentino, Brandoni, que estaba internado en la terapia intensiva del Sanatorio Güemes, murió este lunes a los 86 años, por un hematoma provocado por una caída en su casa. Al irse, deja una huella profunda en la cultura, el gremialismo y la vida pública del país. La triste noticia la confirmó Carlos Rottemberg: "Murió Luis Brandoni. Con Beto se va el último primer actor de una generación inolvidable. Impulsor del teatro nacional, desde esta Casa Teatral seguiremos aplaudiendo su compromiso permanente, que excedió el ámbito del escenario. Hoy es un día muy triste para nuestra cultura".
Fue actor, dirigente sindical y militante político. Nacido como Adalberto Luis Brandoni el 18 de abril de 1940 en Dock Sud, Buenos Aires, consolidó una trayectoria de más de seis décadas en el arte y la política argentina. Su legado abarca desde clásicos del cine argentino hasta la defensa de los derechos laborales, marcando a varias generaciones de colegas, espectadores y militantes.
La infancia de Brandoni transcurrió en el seno de una familia trabajadora, en un barrio obrero que moldeó sus valores. Sus padres fueron José Domingo, empleado bancario y presidente del Club Sportivo Dock Sud, y Luisa Valentina Emiliani, ama de casa. El barrio de Dock Sud le enseñó a convivir con la diversidad, experiencias que forjaron su carácter y sensibilidad social. De aquellos años evocaba el silbido de su madre llamándolo a casa y la emoción de descubrir el cine argentino en las salas barriales, donde admiró a figuras como Pepe Arias y Olinda Bozán. Sus éxitos más icónicos incluyen películas como Esperando la carroza (1985), La Patagonia rebelde (1974), Made in Argentina (1987) y, más recientemente, La odisea de los giles (2019) y El cuento de las comadrejas (2019).

El fenómeno de Super Mario Galaxy ha sido contundente. En apenas unas semanas desde su estreno en abril, la nueva adaptación de Nintendo e Illumination, ya ha alcanzado los 641 millones de dólares (641.636.060), colocándose directamente como la película más taquillera de 2026 hasta ahora. Y lo más llamativo no es la cifra, sino la velocidad a la que ha llegado.
Porque esto no es simplemente un buen arranque. Es una señal clara de que la marca Mario sigue funcionando como un motor imparable en cines, incluso después del enorme éxito de Super Mario Bros. (2023). La gran pregunta ahora no es si va a seguir recaudando, sino hasta dónde puede llegar. y qué significa realmente este éxito.
El dominio de Super Mario Galaxy en este inicio de 2026 no deja lugar a dudas. Con esos 641 millones de dólares ha superado a títulos que parecían bien posicionados en el mercado internacional, y ha demostrado tener un tirón global real, algo que no es tan fácil de replicar. La película china, centrada en el mundo de las carreras, sigue a Zhang Chi y su equipo en el Rally Muchen 100, donde además de la competición se enfrentan a intrigas personales y conflictos que ponen a prueba su integridad. Una historia sólida dentro de su mercado, pero sin el alcance internacional de Mario.
Por detrás, el ranking de taquilla lo completan producciones como Proyecto Salvación, con 533 millones aún en cines, seguida de Hoppers con 355 millones y Cumbres Borrascosas con 241 millones. Pero ninguna de ellas ha tenido ese efecto de fenómeno inmediato que sí ha logrado Nintendo.
Hay nostalgia, pero también hay una evolución clara en la forma de contar su historia. La película amplía el universo que ya conocíamos y lo lleva directamente al terreno espacial, introduciendo elementos que conectan con uno de los juegos más queridos de la saga.
Super Mario Galaxy no se limita a repetir fórmula, sino que expande su narrativa con una ambición que conecta directamente con el lore del videojuego.
El desarrollo de la película introduce elementos que, para quien conoce la saga, tienen bastante peso. La relación entre Rosalina y Peach, por ejemplo, añade una dimensión emocional que no estaba tan presente en la película anterior, y que conecta con la idea de un universo más cohesionado.
Aunque ahora mismo lidera la taquilla, es poco probable que Super Mario Galaxy termine el año como la película más taquillera. No porque no funcione, sino porque lo que viene es, directamente, otra liga.
En los próximos meses llegarán títulos como Spider-Man: Brand New Day, Dune: Part Three, Toy Story 5 o Vengadores: Doomsday. Sin olvidar propuestas como la nueva película de Christopher Nolan, La Odisea, que siempre juega en otra categoría en términos de impacto.
Además, siempre hay espacio para sorpresas como Minions & Monsters o el regreso de Masters of the Universe, que podrían alterar el ranking en cualquier momento.
El rendimiento de Super Mario Galaxy no es solo una buena noticia para Nintendo. Es un indicativo de cómo están funcionando las adaptaciones de videojuegos en el cine actual.
Durante años, este tipo de proyectos eran una apuesta arriesgada. Ahora, se han convertido en uno de los pilares de la industria. Y lo interesante es que ya no basta con adaptar, hay que expandir universos, generar continuidad y construir algo que tenga recorrido más allá de una sola película.
En ese sentido, Super Mario Galaxy funciona como una pieza clave. No solo consolida el éxito de Mario en la gran pantalla, sino que abre la puerta a un modelo similar al de Marvel o Star Wars, pero con el sello Nintendo.
Y eso cambia bastante las cosas. Porque si esta tendencia continúa, lo que estamos viendo ahora podría ser solo el inicio de un universo cinematográfico mucho más amplio.

Después de años de rumores, por fin es oficial que la tercera película de Top Gun ya está en desarrollo. El productor Jerry Bruckheimer confirmó la noticia durante la presentación de Paramount en CinemaCon. Si bien aún no es un hecho, se espera que Tom Cruise retome el papel de Pete Mitchell, también conocido como Maverick. 
Las primeras noticias sobre la siguiente entrega de la franquicia llegaron en 2024. La publicación estadounidense reveló que Joseph Kosinski retomaría el rol de director después de haber comandado la producción de Top Gun: Maverick. Ehren Krueger también estará de regreso como guionista después de haber colaborado con Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie en la anterior cinta. 
A pesar de las limitaciones por el COVID-19, Top Gun: Maverick se convirtió en la película más exitosa en la carrera de Tom Cruise. El largometraje logró generar $1.500 millones de dólares en la taquilla global. Su costo de producción fue de únicamente $170 millones, lo que no solo le dio mucho dinero al estudio, sino también a los cines que aún no se recuperaban del impacto de la pandemia. 
La película original de Top Gun vio la luz en 1986. Tom Cruise retomó su papel como Maverick casi 36 años después para participar en la secuela. En ella, el protagonista se vio forzado a regresar a la escuela de pilotos, ahora como instructor. La cinta contó con la participación de Miles Teller como Bradley "Rooster" Bradshaw, hijo de "Goose", a quien Anthony Edwards interpretó en la primera entrega. También tuvo a Glen Powell en uno de sus primeros papeles de alto calibre. 
El productor Jerry Bruckheimer también se encuentra detrás de la secuela de F1: La película, de la cual aún no se conocen muchos detalles. La primera entrega, protagonizada por Brad Pitt, logró recaudar más de $624 millones de dólares.

Adria Arjona se incorporará oficialmente al nuevo universo cinematográfico de DC (DCU) tras ser elegida para interpretar a Máxima en la secuela de Superman: Man of Tomorrow, proyecto escrito y dirigido por James Gunn.
El anuncio llega luego de especulaciones en redes sociales que vinculaban a Arjona con el papel de Mujer Maravilla, versiones que fueron descartadas por el propio Gunn en una entrevista. El realizador explicó que sigue a la actriz en redes desde hace años y que ese gesto fue malinterpretado por los seguidores, aunque destacó que sería una buena opción para ese personaje.
Asimismo, el director recordó que ya había trabajado con Arjona en The Belko Experiment, lo que consolidó una relación profesional previa. "Somos amigos y nos conocemos desde entonces", señaló.
Finalmente, la producción optó por asignarle el rol de Máxima, una reina alienígena que en los cómics ha sido representada tanto como antagonista como potencial interés romántico de Superman, lo que anticipa un papel relevante dentro de la historia.
La actriz participó en pruebas junto a otras candidatas finalistas, entre ellas Eva De Dominici, Sydney Chandler y Grace Van Patten. El acuerdo con Arjona se encontraba en etapa final mientras la producción iniciaba en Atlanta. El estreno está previsto para julio de 2027.
Arjona es reconocida por su participación en Andor, donde ha tenido un papel destacado dentro del género de ciencia ficción. Su trayectoria incluye además películas como Hit Man, Father of the Bride y Blink Twice, entre otros proyectos.
El elenco de Superman: Man of Tomorrow estará encabezado por David Corenswet como Superman y Nicholas Hoult como Lex Luthor. En esta entrega, ambos personajes deberán enfrentar una amenaza mayor: Brainiac, un villano de inteligencia superior interpretado por Lars Eidinger.
El reparto se completa con Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner, Edi Gathegi como Mister Terrific y Aaron Pierre como John Stewart.
El proyecto forma parte de la nueva etapa del universo DC bajo la dirección creativa de James Gunn. En este contexto, Jason Momoa también continuará vinculado a la franquicia, aunque en un nuevo rol: tras interpretar a Aquaman, asumirá el personaje de Lobo en la película Supergirl, cuyo estreno está previsto para junio.

Más de mil escritores, actores y directores de cine y televisión manifiestan preocupación por la posible compra de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount, advierte una carta difundida este lunes y destacada por el medio The New York Times. Los firmantes, entre quienes están Bryan Cranston, Joaquin Phoenix, Tiffany Haddish, Lily Gladstone y Yorgos Lanthimos, recalcan que la fusión de dos de los estudios más grandes de Hollywood agravaría la crisis que vive actualmente el entretenimiento en Estados Unidos y en otras regiones.
En la carta, los creadores expresan que fusionar ambas compañías provocaría "menos oportunidades para creadores, menos trabajos a lo largo del ecosistema de producción, costos más altos y menos opciones para el público en Estados Unidos y en el mundo". El documento subraya lo que denominan un "descenso abrupto en el número de películas producidas y estrenadas, junto con un estrechamiento en el tipo de historias que se financian y distribuyen".
Entre las declaraciones más rotundas, el grupo firmante alerta: "Cada vez menos entidades poderosas deciden qué se produce y con qué condiciones, dejando a creadores y empresas independientes con menos caminos viables para sostener su labor"
La carta aparece meses después de que Paramount y su director general David Ellison lograran vencer a Netflix en la puja por obtener Warner Bros. Discovery mediante una compra valuada en USD 111.000 millones. 
Ellison defiende la operación; plantea que la unión beneficiaría a la comunidad creativa y se comprometió a estrenar al menos 30 películas en salas cada año, además de reforzar las inversiones en ambos estudios. También alega que, de haberse realizado con Netflix, la operación habría generado una plataforma de streaming con el doble de tamaño que su competidor más próximo.
No obstante, los artistas insisten en que la consolidación amenaza la diversidad de contenidos, la competencia en la industria y la supervivencia para productores independientes. La petición fue coordinada por la Committee for the First Amendment, liderada por Jane Fonda; el Democracy Defenders Fund, de Norm Eisen; y la Future Film Coalition, agrupación de cineastas independientes.
El acuerdo de Paramount con Warner Bros. Discovery podrá completarse este mismo año, siempre que reciba el visto bueno de los accionistas y las autoridades regulatorias. La propia Paramount asegura no prever "impedimentos significativos para cerrar la operación" en Estados Unidos, y confirma que países como Alemania y Eslovenia ya han otorgado su autorización.
Sin embargo, representantes de la exhibición y funcionarios estatales en California muestran inquietud. Michael O'Leary, director ejecutivo de Cinema United, organización que integra 30.000 salas de cine en Estados Unidos, declara para The New York Times que rechaza la compra. Advierte que "cualquier reducción en la producción de películas podría derivar en el cierre de más cines".
Por su lado, Rob Bonta, fiscal general de California, puntualiza que la adquisición "no es un hecho consumado", aunque duda que el gobierno federal realice un control exhaustivo. El propio Bonta es instado en la carta a mantener la vigilancia sobre la operación; el colectivo afirma estar listo para apoyar iniciativas que "garanticen un futuro dinámico para nuestra industria".
El pronunciamiento colectivo cierra con una consigna: "La competencia es esencial para una economía sana y una democracia vigorosa. Lo mismo ocurre con la regulación y la aplicación de leyes. La concentración de medios ya ha debilitado una de las industrias globales más influyentes de Estados Unidos, la cual ha modelado la cultura y conectado a personas en todo el mundo".

Después de una exitosa carrera actoral, John Travolta incursiona en la dirección cinematográfica con Propeller One-Way Night Coach. El largometraje hará su debut en la siguiente edición del Festival de Cine de Cannes como parte de su sección no competitiva. La historia adapta el libro para niños homónimo que el ahora cineasta escribió en 1997 para su hijo. 
John Travolta ha sido un aficionado a volar desde que era un niño e incluso es piloto esporádicamente. Precisamente ese es el tema central de su ópera prima, en la que un niño entusiasta de los aviones llamado Jeff y su madre cruzan el país en un viaje sin retorno con destino a Hollywood. La película promete ser un viaje nostálgico hacia la era dorada de la aviación. De acuerdo a la sinopsis de la cinta, el viaje del pequeño estará marcado por pasajeros extraordinarios, paradas inesperadas, comidas de aerolínea, aeromozas encantadoras y mucho más. 
Jeff será interpretado por el joven Clark Shotwell, quien hará su debut como actor. Kelly Eviston-Quinnett será la encargada de dar vida a su madre. Al ser John Travolta la mente creativa detrás de la producción, se dio el lujo de castear a su hija Ella Bleu Travolta, quien encarnará a una de las aeromozas junto a Olga Hoffmann. 
Propeller One-Way Night Coach es un proyecto respaldado por Apple Original Films. Además de director del filme, Travolta también está acreditado como productor de parte de su propia casa JTP Productions. Jason Berger y Amy Laslett asumen el mismo rol en representación de Kids at Play. 
El largometraje le da al certamen un poco de sabor a Hollywood, sector de la industria que en esta edición brilla por su ausencia. Dentro de la Selección Oficial del festival destacan títulos como La Vénus électrique, de Pierre Salvadori, que será la cinta encargada de inaugurar la selección. Esta edición de Cannes también destaca por una abundante presencia de cine español, comandado por largometrajes como Amarga Navidad de Pedro Almodóvar, La bola negra de Los Javis y El ser querido de Rodrigo Sorogoyen. 
Con participaciones en más de 70 producciones, John Travolta se ganó su lugar como uno de los grandes actores en la historia del cine. Su carrera despegó a finales de la década de 1970 gracias a su participación en Saturday Night Fever y Vaselina, donde interpretó a Danny Zuko. Su carrera tomó un tono más serio en la década de 1990 gracias a papeles como el de Vincent Vega en Pulp Fiction, de Quentin Tarantino. 
La proyección de Propeller One-Way Night Coach en Cannes marca el regreso de Travolta al festival tras casi tres décadas de ausencia. El actor convertido en director ha presentado tres películas en el certamen, siendo la más reciente Primary Colors en 1998. Las otras dos cintas que lo llevaron al evento fueron Pulp Fiction en 1994 y She's So Lovely en 1997. 

Sony Pictures Entertainment ha puesto en marcha una nueva ronda de despidos que afecta a sus divisiones de cine y televisión, en una decisión que vuelve a reflejar la etapa de ajustes que atraviesa Hollywood. Según trascendidos, los recortes no se limitan a un área concreta, sino que alcanzan a varios departamentos dentro de la compañía.
La empresa enmarca esta medida dentro de un proceso más amplio de reorganización interna. El objetivo, de acuerdo con la información publicada, es adaptar mejor la estructura del estudio al contexto actual del sector audiovisual, simplificar operaciones y ganar eficiencia en un momento en el que las grandes compañías siguen revisando costes y modelos de negocio.
Aunque no han trascendido por ahora cifras exactas sobre el número total de afectados, el carácter transversal de los despidos apunta a un reajuste de alcance amplio dentro de Sony. La noticia llega, además, en un momento en el que los grandes estudios llevan meses aplicando medidas similares para responder a un mercado marcado por la presión del streaming, la necesidad de rentabilidad y la transformación del consumo audiovisual.
El consejero delegado de Sony Pictures, Ravi Ahuja, defendió que la compañía está reduciendo puestos en algunas áreas mientras refuerza otras para operar con "más velocidad y alineación". Es decir, el grupo presenta esta decisión no solo como un recorte de costes, sino como un giro estratégico destinado a concentrar recursos en las áreas con mayor potencial de crecimiento.
El movimiento de Sony no es un caso aislado. En los últimos años, buena parte de la industria del entretenimiento ha recurrido a despidos, recortes y reestructuraciones para contener gastos y redefinir prioridades. El negocio del cine y la televisión sigue buscando un nuevo equilibrio después de varios ejercicios marcados por la inestabilidad del mercado, la competencia feroz entre plataformas y la caída de algunos ingresos tradicionales.
En ese contexto, el ajuste de Sony se interpreta como un paso más dentro de una tendencia general en los estudios estadounidenses: reducir estructura para intentar responder con más agilidad a un entorno cada vez más incierto. Más allá del impacto inmediato en la plantilla, la decisión confirma que la fase de reordenación en Hollywood dista mucho de haber terminado.
Aun así, Sony afronta esta etapa con una posición algo distinta a la de otros grandes competidores. La compañía no depende de una gran plataforma propia de streaming, lo que le permite mantener una estrategia más flexible basada en la cesión y venta de contenidos a terceros. Esa diferencia explica en parte por qué el estudio habla ahora de reforzar sus "motores de crecimiento" y de recolocar recursos en vez de limitarse a recortar plantilla sin más.

Este jueves 9 de abril se anunció en París buena parte de la programación del festival más importante del mundo, aunque se adelantó que en próximos días se darán a conocer títulos adicionales, que podrían ser hasta 14 (en 2025 se proyectaron 74 largometrajes en la Selección Oficial y por ahora se confirmaron solo 60). Si se mantiene la tónica de la edición anterior, se podría sumar un título más en la disputa por la Palma de Oro, unos cinco en Un Certain Regard, otros cinco en Cannes Premiere y el resto en las otras secciones.
Esta edición no tendrá tanques de Hollywood, la participación latinoamericana será nuevamente muy minoritaria.
En cambio, sí se destaca y mucho la presencia española: si el año pasado fueron Carla Simón y Oliver Laxe, en este serán tres los cineastas en la sección principal. Y todavía cabe la posibilidad de que Albert Serra se sume en el segundo anuncio si es que llega con la edición final.
Otro país con tres largometrajes en Competencia Oficial es Japón: Nagi Notes, de Kôji Fukada; Sheep in the Box, de Hirokazu Kore-eda; y All of a Sudden, de Ryûsuke Hamaguchi.
Por ahora no aparecieron films de autores que se especulaba podían estar como James Gray (Paper Tiger), Kirill Serebrennikov (Après), Andrew Haig (A Long Winter), Kantemir Balagov (Butterfly Jam), Nanni Moretti (Succederà questa notte) y Carlos Reygadas (Wake of Umbra), entre varios otros. Habrá que esperar unos días para comprobar si alguno figura entre los agregados de último momento.
Por el lado del cine argentino, apareció el documental El Partido en Cannes Premiere, pero no así los nuevos films de Benjamín Naishtat (Glaxo) ni Lisandro Alonso (La libertad doble). Quizás alguno figure en el anuncio adicional o en la selección de la Quincena de Cineastas (se dará a conocer la semana próxima), donde hay varios otros realizadores argentinos que entraron en la discusión final de los programadores.
El realizador surcoreano Park Chan-wook será el presidente del jurado, mientras que las Palma de Oro a la trayectoria serán para Barbra Streisand y Peter Jackson.

A finales del año pasado, Warner Bros. finalmente anunció que Gremlins 3 está oficialmente en desarrollo y tiene programado su estreno en cines para noviembre de 2027.
Steven Spielberg regresará como productor ejecutivo, y el guionista de la película original, Chris Columbus, está a bordo para dirigir esta nueva entrega. El dúo detrás de Destino Final: Bloodlines, Zach Lipovsky y Adam B. Stein, se encargará de escribir el guion junto a Columbus.
Según rumores, la película contará con una nueva protagonista femenina, y se le ha ofrecido el papel a Jenna Ortega. Aunque no hay mucha más información disponible, existe la especulación de que este personaje podría ser la hija de Billy y Kate. Hasta el momento, no se ha confirmado si alguno de los miembros del reparto original estará de vuelta para retomar sus roles icónicos.
"Estoy lleno de una tremenda oleada de inspiración y pasión al embarcarme en este viaje cinematográfico. Es un honor reunirme con Steven Spielberg y Warner Bros. mientras traemos este último capítulo de Gremlins a una nueva generación de espectadores que experimentarán todas las emociones de esta gran aventura en la pantalla grande".
expresó Jesse Ehrman, presidente de desarrollo y producción de Warner,y añadió:
"Pocos títulos son tan queridos e icónicos como Gremlins, y estamos más que emocionados de traerlo de vuelta tanto para los fans de toda la vida como para una generación completamente nueva. Es un privilegio trabajar junto a Steven, Chris y todo el equipo creativo".
La película original de Joe Dante, estrenada en 1984, se convirtió en un fenómeno cultural. Esta comedia de terror ambientada en Navidad introdujo a Gizmo, una criatura adorable conocida como Mogwai, capaz de engendrar feroces monstruos verdes si no se siguen tres reglas muy específicas: nunca mojarlo, nunca exponerlo a la luz brillante (la luz del sol lo matará) y nunca alimentarlo después de la medianoche.
El filme fue un éxito de taquilla, producido con solo 11 millones de dólares y recaudando 151 millones en Estados Unidos. En 1990 le siguió una secuela, Gremlins 2: The New Batch, pero esa sátira extraña -que ha acumulado un seguimiento de culto con los años- solo logró recaudar 41 millones de dólares.
La premisa original sigue a un vendedor de artilugios que busca un regalo especial para su hijo y encuentra uno en una tienda en Chinatown. El comerciante se muestra reacio a venderle el «mogwai», pero finalmente accede con la advertencia de las tres reglas de oro.
Como es de esperar, todas se rompen, dando como resultado una banda de gremlins que deciden destrozar la ciudad en Nochebuena. La mezcla de humor negro y horror físico convirtió a Gizmo en un icono de los años 80, y el regreso de Columbus a la dirección promete recuperar esa atmósfera única que combinaba el asombro infantil con el caos absoluto.

DUNE 3 ya tiene una de las incógnitas despejada. y no es lo que muchos esperaban. La esperada tercera entrega dirigida por Denis Villeneuve no será la más larga de la saga, sino justo lo contrario: será la película más corta de toda la trilogía.
La noticia ha sorprendido porque, si algo ha definido a esta adaptación de la obra de Frank Herbert, ha sido su ambición narrativa y sus extensos metrajes. Pero ahora sabemos que el cierre de la historia de Paul Atreides apostará por un enfoque diferente. aunque no necesariamente menos épico.
Según ha trascendido, DUNE 3 tendrá una duración de 2 horas y 20 minutos (140 minutos). Puede que no parezca una gran diferencia, pero lo es, si la comparamos con sus predecesoras.
La primera película de Dune (2021) alcanzó las 2 horas y 35 minutos (155 minutos), mientras que Dune: Parte Dos (2024) fue todavía más lejos con 2 horas y 46 minutos (166 minutos). Es decir, la nueva entrega reduce de forma notable su metraje respecto a las anteriores.
Ahora bien, esto no significa que vaya a ser una película "pequeña". Ni mucho menos. Sigue siendo una duración más que generosa, y todo apunta a que Villeneuve ha afinado la narrativa para ofrecer un cierre más directo, intenso y centrado. Y esta decisión podría ser clave para el ritmo final de la historia. Después de dos películas muy densas en construcción de mundo, DUNE 3 parece apostar por avanzar con más decisión hacia su desenlace.
DUNE 3 adaptará principalmente los eventos de Dune Messiah, una de las novelas más complejas y reflexivas de la saga de Frank Herbert. Y eso implica un cambio importante de tono respecto a lo que hemos visto hasta ahora. Mientras que las dos primeras películas se centraban en la ascensión de Paul Atreides, esta tercera parte explora las consecuencias de sus decisiones. Ya no estamos ante una historia de conquista. sino ante una de legado, poder y responsabilidad. La película podría apostar por un enfoque más quirúrgico, centrado en los conflictos clave. Y eso, bien ejecutado, puede hacer que la historia golpee mucho más fuerte.
Otro detalle importante de DUNE 3 es su contexto temporal. La historia se sitúa casi dos décadas después de los eventos de la segunda película, lo que introduce una evolución significativa en todos los personajes. Paul Atreides, interpretado por Timothée Chalamet, ya no es el joven líder que acababa de descubrir su destino. Ahora carga con el peso de haber desencadenado una guerra de enormes consecuencias, algo que marcará profundamente su evolución.
Este cambio no solo afecta al protagonista. También redefine el mundo de Arrakis y el equilibrio de poder en el universo. La saga pasa de la construcción a la consecuencia, de la promesa al precio que hay que pagar por cumplirla. Y eso eleva mucho el interés por ver cómo se resuelve todo.
Uno de los grandes alicientes de DUNE 3 será la incorporación de Robert Pattinson, que interpretará a Scytale, un personaje especialmente peligroso dentro del universo de Dune.
Puede que a primera vista la menor duración de DUNE 3 genere dudas. Pero todo indica que Villeneuve no está recortando ambición, sino afinando su propuesta. El primer tráiler ya ha dejado claro que la escala visual seguirá siendo impresionante, con grandes momentos de acción y una puesta en escena que mantiene el nivel de las anteriores entregas.
DUNE 3 tiene previsto su estreno en diciembre de 2026, una fecha clave en la industria. Y lo hará compitiendo directamente con otro gigante, Vengadores: Doomsday. Estamos hablando de un enfrentamiento directo entre dos de las franquicias más potentes del cine actual. Por un lado, la épica de ciencia ficción de Villeneuve. Por otro, el espectáculo superheroico de Marvel.

Hubo un tiempo en que Moon parecía una rareza pequeña, casi un capricho hecho con cuatro ideas brillantes y muy poco dinero. Pero vista desde 2026, la película de ciencia ficción de Duncan Jones merece bastante más respeto. Lo que en 2009 sonaba a distopía íntima sobre minería lunar, aislamiento y energía limpia, hoy encaja de forma inquietante con la nueva carrera por la Luna.
Y no porque adivinara cada detalle técnico, sino porque entendió algo más importante. La Luna ha dejado de ser solo una postal épica de la exploración espacial y vuelve a ser territorio estratégico, económico y político. Ahí es donde esta película de ciencia ficción deja de parecer una obra de culto para convertirse casi en una advertencia incómoda.
Lo fascinante es que Moon no necesitó naves gigantes, invasiones ni una guerra galáctica para decir algo potente. Le bastó con un trabajador solo, una base minera en la cara oculta de la Luna y una empresa que convierte el sacrificio humano en una pieza más de su maquinaria. Y visto lo que se mueve ahora alrededor de la exploración lunar, cuesta no pensar que Duncan Jones miró mucho más lejos de lo que parecía.
Durante décadas, la Luna quedó congelada en el imaginario colectivo como el gran trofeo del siglo XX. Se llegó, se plantó la bandera y, para mucha gente, la historia quedó cerrada. Pero esa etapa terminó. La misión Artemis II ha devuelto a la Luna al centro del tablero, no solo como símbolo, sino como infraestructura de futuro.
Ya no se trata únicamente de regresar por prestigio. La Luna interesa porque puede convertirse en una escala clave para todo lo que venga después. El polo sur lunar, con zonas en sombra permanente, concentra buena parte de ese interés por la posibilidad de aprovechar recursos que resultarían decisivos para sostener operaciones más ambiciosas en el espacio.
En ese contexto, la vieja idea de una película de ciencia ficción sobre minería lunar y helio-3 ya no suena extravagante. Suena, como mínimo, pertinente. Porque Moon partía de una premisa muy concreta: la humanidad había resuelto su crisis energética gracias a la extracción de helio-3 en la superficie lunar. Y de repente esa clase de conversaciones ya no viven solo en novelas, películas o debates de nicho.
Aquí está lo interesante: la película no hablaba solo del recurso. Hablaba de quién lo explota, quién se beneficia y quién paga el precio real para que ese sistema funcione. 
Ahí es donde conecta con el presente de una forma tan incómoda. Porque la exploración lunar suena heroica, futurista y hasta emocionante, y lo es. Pero Moon obliga a mirar la parte que casi nunca protagoniza los titulares: la lógica que convierte lo necesario en negocio y lo humano en un coste operativo más.
Por eso esta película de ciencia ficción sigue tan viva. No porque acertara como un oráculo, sino porque entendió antes que muchos que la conquista del espacio no iba a borrar las viejas dinámicas de poder de la Tierra. Solo iba a trasladarlas a otro escenario, con mejores vistas y un silencio mucho más frío.
Con solo 5 millones de dólares, Duncan Jones hizo una de esas películas que crecen con el tiempo. En 2009 pudo parecer una propuesta modesta, incluso extraña, en medio de un género más entregado al espectáculo. Pero 16 años después, Moon tiene algo que muchas superproducciones envidiarían: sigue diciendo cosas que importan.
Mientras el mundo mira otra vez hacia la Luna, esta película de ciencia ficción nos recuerda que la gran pregunta nunca ha sido solo cómo llegar, sino qué estamos dispuestos a normalizar una vez estemos allí. Y esa, la verdad, sigue siendo una pregunta bastante más inquietante que cualquier viaje espacial.

El Sindicato de Guionistas de América Oeste y la Alianza de Productores de Cine y Televisión alcanzaron un acuerdo preliminar de cuatro años, luego de cerca de tres semanas de negociación.
El gremio de guionistas informó a través de X que su comité negociador aprobó por unanimidad el entendimiento con la organización que representa a los estudios de cine y televisión. Por su parte, la alianza patronal confirmó el avance mediante un comunicado difundido en su sitio oficial.
Aunque los detalles concretos del convenio no fueron dados a conocer de inmediato, se prevé que el pacto contemple varias de las principales demandas de los guionistas, entre ellas mejores condiciones en los planos de salud y mayores garantías frente al uso de la inteligencia artificial. El sindicato aseguró que el acuerdo protege la cobertura médica del gremio, consolida los logros obtenidos en 2023 y busca responder a los desafíos vinculados al trabajo libre.
El nuevo contrato tendrá una vigencia de cuatro años, un plazo superior al esquema habitual de tres años, aunque todavía deberá ser avalado por la junta directiva del sindicato y posteriormente sometido a la aprobación de sus miembros antes de quedar ratificado.
El entendimiento se concretó en un lapso breve si se compara con la conflictiva negociación de hace tres años, cuando los guionistas de Hollywood llevaron a cabo una huelga histórica que frenó parcialmente la actividad de la industria. En aquella ocasión, la base sindical respaldó casi por unanimidad un acuerdo que incluyó mejoras salariales, una mayor duración contractual y disposiciones relacionadas con el control de la IA. Ese convenio vence en mayo.
De manera paralela, los estudios mantienen conversaciones con los sindicatos que representan a actores y directores, cuyos contratos concluyen a finales de junio. En ese contexto, Sean Astin, presidente de SAG-AFTRA , declaró en febrero que había percibido señales de una mayor disposición de los estudios para retomar una relación de colaboración. Los actores de Hollywood también protagonizaron una huelga durante varios meses en 2023 en demanda de mejores condiciones laborales.
El acuerdo preliminar con los estudios se produce además en medio de otro conflicto interno dentro del propio WGA West , que enfrenta una huelga de su personal desde febrero. Más de 100 trabajadores de las áreas legales, de eventos y de derechos de autor suspendieron labores al denunciar presuntas prácticas laborales injustas, de acuerdo con información publicada por Los Angeles Times.
Hasta ahora, no está claro de qué manera esta protesta interna podría influir en el acuerdo alcanzado con los estudios. Como consecuencia de ese conflicto, el sindicato anunció el mes pasado la cancelación de su ceremonia anual de premios.

El Señor de los Anillos vuelve con fuerza a la pantalla grande. La Tierra Media de J.R.R. Tolkien está desarrollando en estos momentos hasta dos nuevas películas producidas por Peter Jackson y pensadas como complemento a la trilogía original.
Una de ellas será The Hunt for Gollum, un spin-off que busca explorar rincones menos transitados de la saga y que contará con Kate Winslet como una de sus principales estrellas y el retorno de viejos conocidos como Ian McKellen como Gandalf y Elijah Wood como Frodo. 
Desde hace meses, se ha rumoreado un cambio de actor para el papel de Aragorn, que será uno de los grandes protagonistas de la historia. Y es precisamente la ausencia de Viggo Mortensen, el Aragorn que definió a toda una generación, ha abierto la puerta a una de las decisiones más delicadas: quién será el nuevo heredero del trono de Gondor en pantalla.
Y acá es donde entra el nombre de Leo Woodall. El actor estaría en la órbita del proyecto y el elegido por el director del filme, Andy Serkis, para encarnar al montaraz en esta nueva aventura. Aún no hay anuncio por parte de Warner ni de New Line Cinema, pero la noticia se conocería en los próximos días o semanas.
De confirmarse, Woodall se enfrentaría a un reto mayúsculo: reinterpretar a un personaje icónico sin perder la esencia que lo convirtió en leyenda. No es un papel cualquiera, es uno de esos que definen carreras. No obstante, la película se adentrará en una de las misiones más oscuras y menos exploradas de Aragorn: la caza de Gollum, una criatura escurridiza y peligrosa cuyo conocimiento sobre el Anillo Único podría resultar letal si cae en manos equivocadas. El objetivo es claro, pero nada sencillo: encontrarlo antes de que revele a Sauron información clave sobre su paradero y, con ello, desencadene una amenaza aún mayor sobre la Tierra Media.
La historia se sitúa en ese fascinante vacío cronológico que separa los hechos ocurridos entre el cumpleaños de Bilbo y la posterior llegada de Gandalf a la Comarca para informar a Frodo en El Señor de los Anillos, un periodo en el que las sombras comienzan a alargarse y el mal se reorganiza en silencio en la tierra de Mordor. Lejos de las grandes batallas, aquí parece que primará el suspense, el rastreo y la tensión constante de una misión bastante vital.
La maquinaria de la Tierra Media vuelve a girar. Y aunque todavía queden muchas piezas por encajar, todo apunta a que este nuevo viaje tendrá algo que decir más allá de la mera nostalgia.

La muerte de Chuck Norris fue uno de los eventos más inesperados de 2026. En cuestión de días comenzaron a circular versiones contradictorias sobre su estado de salud y los detalles que rodearon su fallecimiento. El fenómeno no tardó en llegar demasiado lejos y ahora su familia interviene para frenar la desinformación.
Fue a través de un mensaje difundido en el Instagram oficial del actor donde la familia decidió pronunciarse. En el texto, señalaron que estaban al tanto de la circulación de materiales generados con inteligencia artificial que incluían información falsa y engañosa sobre la muerte de Norris, así como sobre su historial médico y las personas que estuvieron presentes en sus últimos momentos.
Ahí mismo aclararon que varias de esas versiones contenían reportes inventados y relatos alterados sobre la vida familiar de Chuck. Pidieron al público no creer ni compartir ningún contenido que no provenga directamente de la familia o de un representante oficial. También agradecieron a quienes han acompañado el proceso con respeto. El comunicado a continuación:
"Somos conscientes de que, desde el fallecimiento de Chuck, ha habido varios videos y publicaciones generados con IA que circulan en línea y que contienen información falsa y engañosa sobre las circunstancias de su muerte, su historial de salud y quiénes estaban presentes. Estas afirmaciones son completamente falsas. Esto incluye reportes fabricados sobre problemas médicos pasados, así como narrativas falsas en torno a las relaciones familiares.
Les pedimos amablemente que no crean ni compartan ninguna información a menos que provenga directamente de la familia Norris o de un representante oficial de la familia. Gracias por su comprensión y por seguir manteniendo a nuestra familia en sus pensamientos y oraciones. La familia Norris"
La muerte de Chuck Norris se anunció el 20 de marzo, aunque había ocurrido un día antes. La familia optó por no hacer públicos los detalles específicos, lo cual terminó alimentando la curiosidad de quienes buscaban reconstruir lo sucedido a partir de fragmentos dispersos.
Se sabe que el actor había sido hospitalizado en Hawái tras una emergencia médica. Fuera de ese dato, no existe una causa oficial confirmada. En esa laguna de información crecieron los videos y publicaciones que intentaban explicar lo ocurrido con argumentos que en realidad no tienen ningún sustento.
Chuck Norris es famoso por The Way of the Dragon, donde compartió pantalla con Bruce Lee en una de las peleas más recordadas del género, así como a películas como Missing in Action, Fuerza Delta y Lone Wolf McQuade. En cada una de ellas erigió una imagen de disciplina marcial y una imponente presencia física.
Su atinadísimo desvío a la televisión con Walker, Texas Ranger lo convirtió en el favorito de nuevas audiencias. Ahí adquirió un aire más institucional, casi mítico, que lo puso como un símbolo de justicia y orden dentro de un formato semanal. Esa etapa fijó su rostro en la cultura popular, incluso para quienes no habían seguido su trayectoria en el cine.
Con el paso del tiempo, Chuck Norris dejó de ser solo un actor y se alzó como fenómeno cultural. Internet encontró en apariencia y personalidad el material perfecto para el humor hiperbólico, dando origen a los llamados "facts" que lo retrataban como un ser invencible, capaz de alterar la realidad misma. Esto transformó su imagen pública y lo llevó a nuevas generaciones.

Eva De Dominici "está de visita" en Buenos Aires. Lo hace para el estreno mundial de Bolas arriba (Balls Up), la nueva película de Peter Farrelly donde comparte elenco con Mark Wahlberg, Paul Walter Hauser y Sacha Baron Cohen.
En medio de rumores que la relacionan con el universo de James Gunn y Man of Tomorrow -una nueva de Superman-, lleva una agenda movidita. A su regreso, la esperan una alfombra roja el 15 de mayo por el thriller Forge, el anuncio de una ficción que rodó el año pasado en Canadá y la concreción de un proyecto personal para el que está escribiendo.
A los 30, Eva De Dominici se afianza en Hollywood, pero no se la cree. Claro que no fue de un día para otro que puso un pie en las "grandes ligas". 
En 2019, a poco de llegar, debutó en la película The Soviet Sleep Experiment; tuvo una papel en Cosmic Sin, con Bruce Willis; y en un capítulo en la serie Hawaii Five-0. Y a partir del 2022 y por tres temporadas interpretó a la "mala" Nadia Morales en The Cleaning Lady (basada en la argentina La chica que limpia).
En estos dos últimos años participó en los filmes The uninvited (junto a Pedro Pascal), la última saga de la trilogía chilena Sayen, Under the Stars (con Andy García y Toni Collette) y fue la contrafigura de Guillermo Francella en el episodio "Piso 54" de Homo Argentum.

Después de un tiempo alejada del centro de la escena, Cameron Díaz vuelve. y lo hace de la mano de uno de los personajes más queridos de su carrera. 
La actriz confirmó que será parte de Shrek 5, la nueva entrega de la exitosa saga de DreamWorks Animation, donde volverá a darle voz a la inolvidable Princesa Fiona, y echó por tierra los rumores de cancelación que circulaban sobre la película. Su regreso no es menor: marca su vuelta a la actuación tras casi diez años alejada de Hollywood. La actriz retomará su icónico papel junto a las voces originales de Mike Myers y Eddie Murphy, reviviendo así el corazón de una franquicia que definió a toda una generación.
El regreso tiene un peso especial. Díaz no aparecía en pantalla desde Annie (2014), momento en el que decidió dar un paso al costado para enfocarse en su vida personal, su familia y sus proyectos empresariales. Durante años, la propia actriz explicó que necesitaba "recuperar su vida" y alejarse del ritmo intenso de la industria, una decisión que la mantuvo fuera del radar cinematográfico. En 2025 volvió con la película "De regreso a la acción" y ahora con uno de sus papeles más famosos.
Por eso, no sorprende que haya elegido volver con Fiona, un personaje que la acompañó durante más de una década y que, según ella misma ha contado en otras oportunidades, forma parte de su identidad como actriz. La saga de Shrek, iniciada en 2001, no solo fue un fenómeno de taquilla sino también un hito cultural que convirtió a sus protagonistas en íconos globales.
La nueva película, que llegará a los cines en 2027, continuará la historia en el universo de Muy Muy Lejano y sumará nuevos personajes, aunque todavía se mantienen en secreto varios detalles de la trama. Así, entre nostalgia, expectativa y un regreso que nadie veía venir, Cameron Díaz vuelve a ponerse en la piel, o mejor dicho, en la voz de Fiona.

Después de mucho trabajo en el set, 2026 será un año de exposición total para Zendaya, y quizá también el último respiro antes de bajar la cortina por un rato. La actriz de 29 años, quien tiene en fila una serie de estrenos grandes para cine y televisión, reveló que planea apartarse un poco del reflector cuando termine esta racha.
En una entrevista reciente, Zendaya confesó que espera que el público no termine harto de verla este año, porque luego de esa avalancha de proyectos piensa "desaparecer" un poco. A la intérprete le espera una dura temporada de estrenos donde su rostro estará en casi todas partes, tanto en redes como en espectaculares. Aquí su declaración completa:
"Solo espero que la gente no se canse de mí. Realmente aprecio a todos los que apoyan cualquiera de las películas [y] mi carrera de cualquier manera. Estoy profundamente agradecida. Solo espero que no se cansen de mí este año porque, les digo algo, voy a desaparecer por un tiempo. Tendré que esconderme un poco."
El sistema todavía nos vende la ilusión de la presencia permanente y de la figura disponible todo el tiempo. En este sentido, Zendaya parece asumir que la sobreexposición sí le pasa factura. Sabe que tiene una racha imponente este año, pero también entiende que conviene retirarse antes de que la saturación la convierta en una persona no tan grata de internet.
El desfile zendayesco empieza con El Drama, la película que llega a cines. Ahí comparte pantalla con Robert Pattinson en una historia dirigida por Kristoffer Borgli, justo antes de que la televisión la reclame otra vez. Apenas nueve días más tarde, el 12 de abril, vuelve como Rue en la tercera temporada de Euphoria.
Luego viene el verano, que para Zendaya parece una doble embestida de estudio grande. La Odisea, la nueva cinta de Christopher Nolan donde interpreta a Palas Atenea, la de ojos de lechuza, ya tiene fecha para julio en su sitio oficial. Dos semanas después llegará Spider-Man: Brand New Day, programada también para julio, con Tom Holland de vuelta como Peter Parker y Zendaya otra vez ligada al universo del héroe arácnido.
Ese calendario ya bastaría para cualquier estrella de cine, pero el cierre del año le reserva otra bomba: Dune 3, prevista para diciembre. La película completará la trilogía de Denis Villeneuve y la colocará otra vez dentro de una saga de escala monumental.
Cabe mencionar que el ruido alrededor de Avengers: Doomsday sigue existiendo, pero su participación ahí no ha sido anunciada oficialmente. La película sí mantiene diciembre como fecha de estreno, aunque la información disponible hasta ahora no la coloca en el reparto confirmado. Por eso el año de Zendaya ya luce descomunal aun sin contar ese posible movimiento de Marvel.
Lo verdaderamente singular de este calendario no es tanto el volumen, sino la variedad. En unos cuantos meses pasará del cine contemporáneo al drama televisivo que la convirtió en actriz de prestigio; luego saltará al espectáculo industrial de Nolan, a Marvel y al cierre de una saga espacial que ayudó a engrandecer su imagen como estrella adulta. No hay muchas intérpretes de su generación moviéndose con soltura entre tantos frentes a la vez.

A finales de los años noventa, Russell Crowe se convirtió en una de las caras más reconocibles del cine internacional gracias a una serie de papeles, pero también a su imponente presencia, a cierto magnetismo irresistible que hace que siempre brille por encima del resto del reparto. Como muchos conocen de memoria, alcanzó la cima con 'Gladiator', película que no solo ganó el Oscar a Mejor Película, sino que también le dio el suyo propio como Mejor Actor al convertirse en uno de los personajes esenciales de la historia del cine.
Antes ya había llamado la atención en 'L.A. Confidential', una película de cine negro donde interpretó a un policía de métodos expeditivos, y más tarde seguiría construyendo una envidiable filmografía con títulos como 'American Gangster', otra gran película de Ridley Scott, 'El dilema', 'Robin Hood', 'Los miserables' o la película de aventuras que fascinó a la crítica.
Además de una serie de papeles inolvidables, si algo ha acompañado a Crowe ha sido su difícil carácter, ese que en no pocas ocasiones le ha jugado malas pasadas y que incluye desde discusiones con fotógrafos y desencuentros con periodistas, hasta acusaciones de mal genio dentro y fuera de los rodajes.
El actor, rara vez se muerde la lengua. Y esto ha llevado a Russell Crowe a reconocer que el guion de 'Gladiator' "era una basura" o de acusar a George Clooney de "usar su fama para hacer anuncios de trajes en España".
Ese carácter tan directo también ha hecho que se posicionara de manera muy particular sobre el papel de los famosos en ciertas cuestiones sociales y políticas. De esta manera, Crowe ha criticado el activismo superficial de algunos compañeros de profesión: "Estoy harto de que los famosos usen su fama para promover una causa. Deja un cheque en el lugar correcto y cállate. Si veo una necesidad concreta, intento ayudar..."
Es decir, que el actor aboga por un gesto discreto y personal, sin buscar reconocimiento y acaparar la atención pública que acompaña al activismo de gran parte de las celebridades de Hollywood.
El gran estreno actual de Crowe es la bélica 'Núremberg', película que protagoniza junto a Rami Malek, Michael Shannon y Richard E. Grant y que marca su regreso al cine histórico interpretando a otro personaje real en un relato marcado por uno de los episodios más oscuros del siglo XX.

Algunas personas no van al cine por la incomodidad que sienten con algunas de las condiciones de proyección. Es por eso, que para que todos podamos disfrutar de una misma función, sumamos las funciones distendidas.

Este jueves 2, ofreceremos una función distendida.

- De qué se trata? es la proyección de la película LA MÁQUINA QUE HACE ESTRELLAS, pero adaptada a las preferencias de personas neurodivergentes. Cuenta con efectos visuales y sonoros reducidos, así como espacios de descanso sensorial.

Esta función distendida será proyectada con un volumen moderado, al mismo tiempo que la sala permanecerá parcialmente iluminada y con las puertas abiertas durante toda la función, permitiendo que quienes asistan puedan ingresar y salir las veces que lo necesiten. A su vez, la ocupación de la sala será reducida para mayor movilidad y comodidad.

Es importante destacar, para todo aquel que lo necesite, que se podrá asistir a la película con los dispositivos de regulación sensorial de preferencia y ser utilizado durante la función (auriculares, juguetes sensoriales, anteojos para la fotosensibilidad, etc.). En caso de que alguien desee retirarse a un lugar más tranquilo, podrá hacer uso de los espacios designados específicamente para regulación.

El Cine Zurro es de todos los y las pehuajenses, y todos tenemos derecho a disfrutar de él.

¡Los esperamos!

Ricardo Darín se ha convertido en las últimas tres décadas en uno de los actores argentinos más reputados de la historia del séptimo arte, gracias a su participación en clásicos como 'Nueve reinas', 'Luna de Avellaneda', 'El hijo de la novia', 'El secreto de sus ojos', filme por el que obtuvo una gran visibilidad internacional tras alzarse con el Oscar en la categoría de Mejor película internacional, o también el filme español 'Truman', por el que fue galardonado con el Premio Goya en la categoría de Mejor actor principal.
A pesar de estos increíbles logros, Darín, a diferencia de otros intérpretes, ha rehusado dar el salto a Hollywood y continuar con su carrera profesional en Estados Unidos. De hecho, el propio Darín rechazó a Tony Scott, quien le pretendía para que diese vida al villano en 'El fuego de la venganza' (2004), junto a Denzel Washington.
Sin embargo, a pesar de ello, Darín ha asistido en varias ocasiones a los premios Oscar para acompañar a la comitiva de las películas en las que ha participado que han logrado una nominación a Mejor película internacional, llegando a coincidir en este tipo de eventos con estrellas como Brad Pitt. Tal y como el propio actor comentó en una entrevista concedida en el año 2013 a 'Animales sueltos', la promoción más grande que nadie le haya hecho delante de las súper estrellas de Hollywood la realizó el intérprete español Javier Bardem:
"Yo le fuí a buscar para agradecerle algo que él había hecho conmigo. Él había estado en una reunión con unos tipos muy importantes, actores americanos muy grosos. Creo que en la reunión estaban Jack Nicholson, no sé si también estaba Pacino o De Niro, tipos muy grosos que realmente lo estaban alabando por su trabajo, porque él había sido nominado para el Oscar. Y nada, lo estaban alabando y qué sé yo, y él salió con: 'No, para mí un buen actor es Ricardo Darín'. Y creo que le dijo una película y todo. Él dijo una cosa sobre mí, y yo ni siquiera era amigo de él, no nos conocíamos, y él dijo que para él, por lo que había visto, el mejor actor en ese momento era yo. Me nombró a mí. Es increíble, eso no lo hace nadie, es muy difícil en nuestro ambiente. Lo puedes pensar, pero de ahí a promocionarlo."
Darín continuó narrando cómo se enteró él de este gesto, y cómo fue el primer encuentro entre ambos: "Cuando yo me enteré, esto me lo comentó un tipo que terminó siendo amigo en común de los dos, Fernando Sulichin, dije: '¿Pero cómo hizo esto?' Y Sulichin me dijo: 'Él lo hizo así, a bocajarro, en una reunión. Estaban estos tipos, y dijo que para él el mejor actor del mundo eras tú'. 
Cuando fui a Madrid, una de las primeras veces que fui, quise conocerlo. Simplemente para agradecerle que dijera eso, porque quieras o no de alguna forma te estaba presentando delante de esa gente. Y ahí nos conocimos, y fue muy gracioso porque él estaba nervioso de conocerme a mí. Mi mujer y yo estábamos en el hotel como si fuéramos a conocer al Papa, no sabíamos ni qué ponernos. Él estaba nervioso en el hall, y cuando nos encontramos tartamudeamos los dos, y ahí nos agarró un ataque de risa y ya nos hicimos amigos para siempre. Tenemos muy buena relación".

Uno de los grandes ausentes en la ceremonia de los Oscar de 2026 fue Sean Penn. A pesar de haberse sumado a la selecta lista de artistas que tienen en su poder tres estatuillas de la Academia de Hollywood, el actor no estuvo en el Dolby Theatre para recibir el honor.
Penn, de 65 años, obtuvo el premio a mejor actor de reparto por su interpretación en Una batalla tras otra, de Paul Thomas Anderson. "Sean Penn no pudo estar aquí esta noche. O no quiso", dijo con una sonrisa Kieran Culkin, el encargado de presentar la categoría. "Así que aceptaré este premio en su nombre".
Según informó el New York Times, el artista había viajado a Europa en los días previos a la entrega de los galardones para pasar unos días en Ucrania, con intención de ausentarse deliberadamente de la ceremonia. Esas dos fuentes no revelaron qué pretendía hacer el actor en aquel país, que sigue en guerra con Rusia, ni tampoco qué lugares pretendía visitar.
"Podemos decir que está en Ucrania, pero se trata de una visita personal; así es como él lo ve, que necesita estar en Ucrania", declaró un funcionario ucraniano. "Simplemente quiere apoyar a Ucrania", añadió.
El funcionario reveló además que Penn -quien codirigió un documental en 2023 sobre Zelensky- iba a reunirse con el presidente ucraniano este lunes. Una segunda fuente informó que el actor también "tiene previsto desplazarse al frente de combate" en el este de Ucrania.
Este lunes por la mañana, el protagonista de La delgada línea roja fue fotografiado en las calles de Kiev, aunque sin dar declaraciones a la prensa acerca de su visita. Zelensky, en tanto, le dedicó horas más tarde un posteo dando cuenta de la reunión que mantuvieron: "Sean, gracias a vos sabemos lo que es un verdadero amigo de Ucrania. Has apoyado a Ucrania desde el primer día de la guerra a gran escala. Esto sigue siendo cierto hoy en día, y sabemos que seguirás apoyando a nuestro país y a nuestra gente", escribió el mandatario en su cuenta de X, junto a una imagen de ambos en su despacho.
Penn ha sido un firme defensor de Ucrania y de su presidente desde que Rusia invadió el país de Europa del Este en febrero de 2022. De hecho, en 2023 reveló que le había regalado uno de sus Oscar al primer mandatario de aquel país. "Pensé: 'Se las daré a Ucrania. Así las pueden fundir para hacer balas con las que disparar a los rusos'", confesó en ese momento sobre las tan codiciadas estatuillas.
En un video que Zelensky compartió en Instagram en noviembre de 2022, se veía a Penn entregándole el Oscar al líder ucraniano durante su encuentro en la capital del país, Kiev. "Es solo un detalle simbólico y un poco tonto, pero si sé que lo tenés aquí con vos, me sentiré mejor y con fuerzas suficientes para seguir luchando", le dijo Penn al presidente. "Cuando ganes [la guerra], tráelo de vuelta a Malibú, porque por ahora me sentiré mucho mejor sabiendo que hay una parte de mí aquí".
Penn ya había ganado el Oscar al mejor actor por sus interpretaciones en Río místico, en 2004, y en Milk: Un hombre, una revolución, una esperanza, en 2009. Además, ha sido nominado a los Oscar en otras ocasiones por sus interpretaciones en las películas Mientras estés conmigo, Dulce y melancólico y Mi nombre es Sam.
A lo largo de los años, el actor se fue escapando más y más hacia su periodismo en primera persona y sus cruzadas humanitarias debido a su completa desilusión con Hollywood. "Pasé 15 años horribles en los sets de filmación", dijo el actor hace un tiempo. "El rodaje de Milk fue la última vez que la pasé bien". Por esa película de 2008 sobre la vida, la militancia y el posterior asesinato de Harvey Milk, el primer funcionario electo abiertamente gay de California.

La Academia de Cine de Estados Unidos anunció un acuerdo para trasladar la gala de los Óscar desde su tradicional teatro Dolby de Hollywood al centro de Los Ángeles a partir de 2029, justo después de conmemorar el centenario de los galardones más codiciados de la industria.
La alianza con la compañía de entretenimiento AEG "convierte a L.A. LIVE en la nueva sede de los Premios Óscar, comenzando con la 101º ceremonia en 2029", informó la Academia en un comunicado.
El acuerdo estará vigente por diez años en el recinto conocido como Teatro Peacock, donde también se celebran otros galardones como los Emmy, los más importantes de la televisión internacional.
Recientemente ampliado con 370.000 metros cuadrados, la nueva sede "albergará las llegadas y actividades de la alfombra roja", indicó el escrito.
Tras su centenario, esta sede ubicada en el centro de Los Ángeles será también la primera en acoger una ceremonia que se retransmitirá de forma global a través de YouTube.
"L.A. LIVE fue construido para albergar los momentos que definen la cultura, y no hay un escenario global más grande que los Óscar", dijo por su parte el director de Ingresos de AEG, Todd Goldstein.
La edición 99 de los premios más importantes de la industria del cine se seguirá celebrando el año que viene en el Dolby y se transmitirán en directo por ABC y en más de 200 territorios de todo el mundo hasta la centésima edición de los Óscar. 

En poco tiempo, Bill Cosby regresa a los titulares luego de una nueva resolución judicial y revive episodios que durante años han marcado su trayectoria en la industria del entretenimiento. El caso, que se remonta a hechos ocurridos décadas atrás, ha derivado en un fallo que pone bajo escrutinio tanto su legado como la forma en que la justicia aborda denuncias antiguas.
Aunque el proceso se desarrolló en el ámbito civil, el alcance de la decisión trasciende lo legal. La figura del comediante, alguna vez disuelta entre lo familiar dentro de la televisión estadounidense, debe afrontar nuevamente los señalamientos que han redefinido la percepción pública sobre su carrera.
Las acusaciones en este caso se remontan a la década de los setenta, cuando una mujer señaló haber sido víctima de un ataque tras un encuentro con el actor. Según su testimonio, los hechos ocurrieron luego de que Cosby le ofreciera una bebida, tras lo cual comenzó a sentirse mal y perdió la conciencia en distintos momentos.
La denuncia describe un episodio que inicia en un trayecto en automóvil y culmina con la mujer despertando en su domicilio en condiciones que evidenciaban una agresión. Durante el proceso, se expuso que el acusado habría utilizado su posición dentro del entretenimiento para impulsar una cercanía con la denunciante.
El caso fue posible gracias a cambios en la legislación de California, que ampliaron los plazos para presentar demandas por agresión sexual. Esto permitió que hechos ocurridos hace décadas pudieran ser llevados ante un jurado, abriendo la puerta a un proceso que de otro modo habría quedado fuera del alcance judicial.
Un jurado en California determinó la responsabilidad civil de Bill Cosby por agresión sexual, ordenando el pago de 19.25 millones de dólares a la demandante, Donna Motsinger. La resolución se dio tras tres días de deliberaciones, en los que se evaluaron testimonios y pruebas relacionadas con el caso.
Tras conocerse el fallo, Motsinger expresó que el juicio representaba el cierre de una búsqueda de justicia que se extendió por cinco décadas. La compensación incluye daños otorgados por el jurado, además de posibles montos adicionales que se definirían posteriormente. El equipo legal de Cosby anunció su intención de apelar la decisión.
El actor, que no testificó durante el juicio, ha sostenido en repetidas ocasiones que cualquier encuentro con las mujeres que lo han acusado fue consensuado. Su postura se mantiene sin cambios frente a este nuevo veredicto.
Este fallo se suma a una serie de procesos previos. En 2022, otro jurado en Los Ángeles concluyó que Cosby había agredido sexualmente a una menor en la década de los setenta. Además, el comediante pasó tres años en prisión tras una condena en 2018 que posteriormente fue anulada por un tribunal superior en 2021.
Antes de las controversias, Bill Cosby construyó una carrera dentro del entretenimiento estadounidense. Alcanzó fama por su trabajo en televisión, especialmente con The Cosby Show. En esta serie interpretó a Cliff Huxtable y se transmitió entre 1984 y 1992.
Su imagen antes los medios y las masas era la de un padre ejemplar, lo que le valió el apodo de "el papá de Estados Unidos". A lo largo de su trayectoria también incursionó en el stand-up, el cine y la producción televisiva, además de recibir abundantes reconocimientos y títulos honoríficos.
Sin embargo, a partir de 2014, múltiples acusaciones de agresión sexual comenzaron a acumularse. Más de 60 mujeres que señalaron conductas similares en distintos periodos. Estas situaciones provocaron la cancelación de proyectos, la retirada de su trabajo de la televisión y la revocación de honores.
Años después de que Cosby dominara la cultura del entretenimiento audiovisual, Cosby permanece atravesado por los temas del abuso y la justicia tardía. Las consecuencias que continúan desarrollándose en tribunales y en la opinión pública.

El universo de John Wick no deja de crecer. Tras el cierre de la cuarta entrega, que dejó varias líneas interesantes abiertas, la saga encuentra una nueva vía para seguir creciendo, ahora centrada en uno de sus personajes más enigmáticos y mejor recibidos por la base de fanáticos. Hablamos de Caine, el asesino ciego interpretado por Donnie Yen.
Aunque el proyecto llevaba tiempo rondando en los márgenes de la industria, su desarrollo había permanecido en una zona gris. La franquicia, respaldada por Lionsgate, supo capitalizar muy bien cada aparición secundaria que logra contener la atención del público, y en esta ocasión se irá hacia una historia sobre honor y sacrificio.
Caine aparece en John Wick 4 como un asesino disciplinado, atravesado por una condición física que en realidad no le impide desempeñar su plan. Su relación con la Alta Mesa lo sitúa en una posición incómoda y le obliga a responder con acciones letales a cada deuda pendiente. Sin embargo, su historia no es pura violencia, ya que también se construye sobre afectos que condicionan sus decisiones.
A diferencia de otros personajes dentro de la saga, el conflicto que padece Caine nace de la contradicción entre obligación y deseo de libertad. Esa tensión es la que lo convierte en una figura deliciosamente atractiva para una spin-off. Además del espectáculo coreográfico imprescindible, la historia de Caine también juega a niveles muy personales.
El trabajo de Donnie Yen en John Wick 4 se quedó grabado en la mente y sin la necesidad de robarle protagonismo a Keanu Reeves. Ese equilibrio es el que ahora impulsa a Lionsgate a contar su historia más allá de lo que vimos en la cuarta cinta.
Donnie Yen retomará su papel como Caine, pero también dirigirá la película. La producción iniciará en breve y buscará la expansión de esta franquicia multimillonaria, aunque con sus propios matices. La trayectoria de Yen como actor y coreógrafo en cintas como Ip Man o Hero definió una forma particular de entender la acción. En este caso, el propio Yen habló sobre el interés que le despierta el personaje:
"Lo que me atrajo de Caine es la contradicción. Él lleva consigo amor, responsabilidad y sacrificio en un mundo construido sobre las consecuencias. Eso crea un tipo de héroe de acción muy diferente."
"Esta película es una oportunidad para impulsar el género hacia adelante. Mi objetivo es crear la película de acción con artes marciales más definitiva jamás hecha, una que honre lo que el público ama de John Wick mientras aporta una nueva profundidad emocional y un nuevo lenguaje visual a la historia. Como director y actor, me entusiasma dar forma a este capítulo de una manera que refleje todo lo que he aprendido durante décadas en el cine de acción, al mismo tiempo que construyo algo que se sienta completamente nuevo."
En conjunto, las cuatro películas han acumulado más de mil millones de dólares, una cifra que justifica totalmente la decisión de seguir expandiendo este universo. 

La familia Parr regresará a la gran pantalla en poco más de dos años. Después de meses de rumores, el nuevo CEO de Disney, Josh D'Amaro, reveló la fecha de estreno de la tercera entrega de Los Increíbles. El largometraje llegará a las salas de cine en junio de 2028. 
A inicios de marzo, Pixar estrenó Hoppers, su nueva película animada, y trascendió información importante del estudio, incluyendo la fecha de estreno de Los Increíbles 3. Ahora, el nuevo director ejecutivo de la compañía convierte el rumor en información oficial. El anuncio se realizó durante una reunión con accionistas, donde también se reveló que la secuela del live action de Lilo & Stitch llegará en mayo de 2028.
La tercera entrega de Los Increíbles llega una década después del estreno de la anterior película y 24 años después de la primera. Las dos anteriores cintas de la franquicia fueron dirigidas y escritas por Brad Bird y recaudaron más de 1.870 millones de dólares. Para el nuevo filme, Bird únicamente fungirá como guionista y productor. Peter Sohn, quien recientemente estuvo detrás de Elemental, será el encargado de dirigir el largometraje. 
Además de estar trabajando en la nueva película protagonizada por la familia Parr, Pixar se encuentra trabajando en la secuela de Coco, que llegará en 2029. El estudio también está desarrollando su primer musical, el cual está a cargo de Domee Shi, directora de Red, y en otra producción titulada One Ghost Market. Si bien aún no se pronuncia al respecto, se dice que también se encuentra trabajando en la tercera película de Monsters Inc. 
La saga de Los Increíbles se centra en la familia Parr, quienes en secreto son superhéroes. La primera película vio a Mr. Increíble, que en español latino fue interpretado por Víctor Trujillo, intentando revivir sus días de gloria. Mientras que la segunda se enfocó en Elastigirl, cuya voz en español latino pertenece a Consuelo Duval, y su intento porque los superhéroes vuelvan a ser bien vistos por la sociedad. 

Una vez más el cine vuelve a poner sobre la mesa la discusión por el uso de inteligencia artificial. Esta vez la que se encuentra en el centro del debate es la película independiente As Deep as the Grave, que ha revivido a Val Kilmer con tecnología IA.
El actor, recordado por título como The Doors, Batman Forever y Top Gun, fue incluido en la película a pesar de que nunca llegó a filmar sus escenas antes de su muerte en 2025. Desde luego, el proyecto cuenta con la aprobación de la familia del intérprete, que sostiene que Kilmer quería formar parte de la película y estaba comprometido con la historia que contaba.
Cinco años antes de su muerte, Kilmer había sido elegido para interpretar al Padre Fintan en As Deep as the Grave. El personaje es un sacerdote católico con una fuerte conexión espiritual con las tradiciones nativas americanas, un rol que el director y guionista Coerte Voorhees había concebido especialmente para él.
Sin embargo, el actor que se encontraba batallando contra un duro cáncer de garganta, se vio impedido de rodar sus escenas. Aun así, su presencia nunca desapareció del proyecto.
Voorhees decidió reconstruir el personaje utilizando herramientas de inteligencia artificial que combinan imágenes del actor en distintas etapas de su vida. Parte del material fue aportado por la familia de Kilmer, que colaboró con fotografías y registros visuales para recrear su apariencia en pantalla.
La voz también forma parte de ese proceso. Durante sus últimos años, el actor había quedado con secuelas en el habla tras una traqueotomía, por lo que el film utiliza registros de su voz para integrarlos al personaje. El resultado será una participación importante dentro del elenco, que incluye a Tom Felton, Abigail Lawrie, Wes Studi y Abigail Breslin.
As Deep as the Grave, anteriormente titulada Canyon of the Dead, narra una historia real ambientada en el suroeste de Estados Unidos. La trama sigue a los arqueólogos Ann y Earl Morris durante sus excavaciones en Canyon de Chelly, en Arizona, donde investigan el pasado del pueblo navajo. Dentro de esa historia aparece el Padre Fintan, el personaje que interpreta Kilmer, cuya figura adquiere un peso importante en el relato.
Curiosamente, la conexión entre actor y personaje terminó siendo aún más profunda de lo previsto. El sacerdote de la película padece tuberculosis, una condición que en el film afecta su voz. Esa característica terminó entrelazada de forma inesperada con la propia experiencia de Kilmer tras su tratamiento contra el cáncer.
El proyecto, además, tiene la particularidad de ser una producción independiente que atravesó un desarrollo largo y accidentado. La pandemia de COVID obligó a detener el rodaje y extendió la realización durante seis años. En un momento, los realizadores incluso habían eliminado escenas del personaje por cuestiones de presupuesto. Pero al revisar el material entendieron que su presencia era clave para cerrar la historia.
Reemplazar al actor con otro intérprete no era una opción viable. Regrabar las escenas tampoco. Fue entonces cuando apareció la posibilidad de recurrir a la inteligencia artificial.
El uso de esta tecnología sigue siendo motivo de discusión dentro de la industria. Muchos actores y creativos temen que su expansión implique pérdida de trabajos o el uso indebido de la imagen de los intérpretes. En este caso, los realizadores remarcan que trabajaron bajo las normas del Sindicato de Actores (SAG) y que el patrimonio del actor fue compensado por su participación digital. De hecho, el propio actor ya había explorado esta clase de herramientas cuando recuperó su voz mediante inteligencia artificial para volver a interpretar a Iceman en Top Gun: Maverick en 2022.
Para la familia de Val Kilmer, el proyecto también tiene un significado especial. En un comunicado, Mercedes Kilmer expresó su apoyo a la película y señaló que su padre era "un hombre profundamente espiritual" que se sentía identificado con una "historia de descubrimiento y de iluminación".
"Siempre miró las tecnologías emergentes con optimismo, como una herramienta para ampliar las posibilidades de contar historias", afirmó la hija del actor. "Ese espíritu es algo que todos estamos honrando en esta película en particular, de la que él fue una parte integral".